It's my thing, That's my life

「ヴェルサイユの宮廷庭師」を観ました。

評価：★

中世のフランスにおいて、太陽王と呼ばれたルイ14世が1670年から造営をスタートさせたヴェルサイユ宮殿。数々の歴史の舞台でもあり、象徴としても使われ、現在でも多くの観光客を迎えている。この宮殿の中心にある”舞踏の間”と呼ばれる場所は、ある女流造園家の苦心の手によって造られていた、、という歴史秘話をもとに描かれた作品。主演の女流造園家マダム・ド・バラを演じるのはアカデミー俳優でもあるケイト・ウィンスレット、監督はルイ14世役でも出演しているアラン・リックマンが手掛けています。

予告編で感じたイメージと本編とは違うことはよくありますが、僕にとっては本作もその1つ。予告編の段階では、男中心社会の中世において、水がうまく引けない大地の特性にもめげず、名園と呼ばれた庭を作り上げた女流造園家の仕事っぷりを描く作品かと思いました。でも、本編でそういうところを見せるのはあくまで序盤だけ。中盤以降は、マダムがルイ14世や、彼女を引き抜いた庭園建築家アンドレ・ル・ノートルなどの男女関係をにおわしながら、仕事に生きなければならない（と表面的には感じる）彼女の辛い過去がリズム悪く挿入されるなど、何か焦点が合わずに作品が終わってしまった感があるという、非常に残念な出来だと思います。

監督のアラン・リックマンは「ダイ・ハード」や最近だと「ハリー・ポッター」シリーズのスネイプ先生役など、小粒にきくキャラクターを好演しているイメージがあったのですが、初監督作である本作ではうまく力量を発揮できていないように思います。舞台役者としての経験も長いのですが、どうも舞台役者上がりの人の監督作とは、僕は相性が悪い（「恋の骨折り損」のケネス・ブラナーとか）ように思います。ラストシーンで、結局やりたかったことはあれかよと思うと、ちょっと自己顕示欲が強い作品だなという印象が（いじわるながらも）拭い去ることができない感じがします。

次回レビュー予定は、「ターナー、光に愛を求めて」です。

「きみはいい子」を観ました。

評価：★★★★☆

中脇初枝の同名小説を原作に、「そこのみにて光輝く」で注目を浴びた新鋭・呉美保監督がメガホンをとった作品。いろんな解釈ができる作品だと思いますが、僕は、まず「きみはいい子」というこのタイトルと、この内容からしても、世にいう”自己承認欲求”についての映画だなーということを第一に感じました。心理学者のマズローによって提唱されている、この”承認欲求”とは文字通り、自分が認められたいという欲求。とかく、小さい頃に普通の家庭で育てば、成長し、何かができるようになれば親や先生が誉めてくれた。しかし、大人になればなるほど、誰かによくできたと褒められることは、よほどできた会社で、できた上司がいるか、よほどできた家庭で、できたパートナーや家族がいるかしか、お目にかかることはない。いや、滅多にないといっても過言ではないでしょう。それでも人はこうした欲求を解消するために、いろんな代替手段や防御手段を探しながら、折り合いをつけて生きている。しかし、そうして生きることができない。不器用な人たちもいる。。本作は、そうした不器用な人たちの生き様を、優しい視点で描いていきます。

桜ヶ丘小学校4年2組を受け持つ新米教師・岡野匡は、教師という職業に対し、真っ向から向かっていこうとしない。だから生徒もついてこず、同僚教師からは嫌味を言われ、恋人にも真正面からぶつかることができない。一方、夫が長期海外出張で、一人で娘を育てる水木雅美は、わが子と真正面からぶつかれず、ご近所の体裁ばかりを気にして毎日を生きている。だから、幼い娘がやってしまう粗相に対しては常に腹が立つし、どうして思うようにいかないかという想いに苛まれていた。映画には、これ以外にも岡野のクラスにいて、暴力的な継父におびえる少年。夫に先立たれ、毎日の生活で振り向いてくれるのは、知的障害のクラスに通う小学生だけという老人と、様々に生き方に苦労する人々が描かれていきます。

観ていて思うのは、本当に自分の思い通りに生きるということは難しいんじゃないかという想いでしょうか。それは自分の性格的なものもあるし、育ってきた背景も違うし、今の生活環境というところもあるでしょう。素のままの自分を許してくれるほど世間は肝要じゃないし、かといって世間が望むような像に自分が演技をすれば、自分で自分を追いつめることにもなる。日本の社会も成長期から安定期に差し掛かり、個人の価値観も多様化していると頭では分かっていても、未だに他人の”変な”生き方は多様的と捉えられず、”変”と映り解釈してしまう。他人を認めるとは、こうした”変”という想いを究極的にはなくすことでしょうが、なくすことはできなくても、”変”も含めて、あなたという存在を認めますよと、みんなが思えることなのではないかと思うのです。多様な価値観の社会では、なかなか同じことに共感してくれる人を見つけるのも大変ですが、”変”を通じて、分かりあえることを努力していくことが、本作の大きなメッセージではないかとも感じるのです。

ドラマとしては前作「そこのみ～」ほど難しくはなく、一見すると何気ない普通のストーリーのように感じますが、中身は結構深いお話になっていると思います。「そこのみ～」の重苦しさに耐えられなかった人にも十分にオススメできる作品になっています。

次回レビュー予定は、「ヴィルサイユの宮廷庭師」です。

「アデライン、100年目の恋」を観ました。

評価：★★★

29歳のときの自動車事故の影響で、齢を取らなくなってしまった女性のラブ・ファンタジー。こういう設定は過去、ヴァンパイア映画（「アンダーワールド」とか）では文字通り、不死身のヴァンパイアが人間に恋をするというシチュエーションでよく描かれていましたが、本作では、そうしたスキームではなく、あくまでSF的にそういう事故にあってしまった女性を描いたラブドラマが主軸になっています。主演のアデラインを演じるのは、TVドラマ「ゴシップガール」で人気を博したブレイク・ライブリー。監督は「セレステ∞ジェシー」でも、不思議なラブドラマを手掛けたリー・トランド・クリーガーがメガホンを取っています。

この映画、まず魅力的なのは主演のアデラインを演じるライブリーが大人の女性を好演していることでしょう。「ゴシップガール」は観ていませんが、1908年生まれの女性が現代まで生きているということは、見かけや流行どうのという前に重要なのは、100年生きている女性が持つ人間味の深さや芯の強さというところ。アデライン自身も美しいこともさることながら、こうした大人（というか中身の設定は老人になってしまいますが笑）の女性を体現した存在であること。それを主演のブレイク・ライブリーはそつなく演じているところが凄い。「ゴシップガール」とは違い、本作の年齢層というのは少し高めだとは思いますが、そうした観客の厳しい目にも十分に応えてくれる演技力を見せてくれています。

「ベンジャミン・バトン」とかもそうですが、長い年月を生きることができるものの、それと引き換えに失うものは愛する人が次々に先に旅立ってしまうこと。本作では物語上、そうした直接的な描写はないものの、愛する毎に別れる苦しみに苛まれ、短い年月で自ら身を引いてきたアデラインの苦しみというのは分かるような気がします。よく、”愛しているからこそ別れる”とは言いますが、この作品ではお話上そうせざるを得ない主人公の苦しみに、そのことが表現されているように思います。ですが、映画作品として、そうしたウリになりそうな素材を生かし切れていないのが少々残念なところ。現代を生きる若者エリスと、ハリソン・フォード演じる父親ウィリアムとの恋物語との対比を見ても、映像として描かれるところが少々不足しているので、アデラインがちょっと軽薄な女のようにも感じてしまうのです。SF的な設定の美しく描かれているので、もうちょっと尺を長くして、アデラインの過去の苦しい恋物語のエピソードを織り込んでもよいかと思ってしまいました。

次回レビュー予定は、「きみはいい子」です。

「極道大戦争」を観ました。

評価：★★

「ゼブラーマン」、「忍たま乱太郎」、「風に立つライオン」とヒーローもの、アニメやコミックの映画化モノから、ヒューマンドラマまで年に何本も作品を生み出す三池崇史監督の原点というか、息抜きにふさわしいエンタメ極道ムービー。義理と人情の世界に憧れ、極道の世界に足を踏み入れた影山。しかし、彼は刺青も入れることができない半端モノだったが、極道の世界そのものも憧れとは程遠い地味で、しがない商売だった。ところがそんなある日、無敵といわれた親分・神浦が壮絶な死闘のうえ、身体を八つ裂きにされて死を遂げる。その死の直前、不死身といわれた神浦は、影山の首筋にかみつく。その不死身の能力は影山にも宿るが、いつしか力が暴走し、街中の人間が極道ヴァンパイア化していくのだった。。。

という、まぁ普通なら考えもつかないようなストーリーをやってしまうのが三池監督。しかし、三池監督は今でこそ商業監督ですが、もともとは「大阪最強伝説」、「極道戦国史」、「岸和田少年愚連隊」などコテコテの極道愚連モノ（いわゆる、まだVHSだった時代のB級ビデオ映画）の出身。本作もそうした血が沸き立つ極道モノに、「DEAD OR ALIVE」の破天荒さがミックスされた作品。なんたって街中がゾンビ化し、それもみんな極道化するなんて、ワケの分からないストーリー。これもちゃんと物語として収めてしまうところが、三池マジックを感じるところでもあります。

しかし、映画のバランス的には、いささかこの異色な極道世界を展開することが注力しすぎたかなというのがあります。街中が極道ゾンビになるというところまではいいものの、そこから物語を展開していく手法がいささか荒っぽすぎるかなと思います。いろんな殺し屋が出てくるのは観ていて楽しいですが、彼らがそもそも何を狙って登場しているのかが分からない。無論、異種格闘技のように登場に理由はなく、戦うことだけに主眼が置かれているといえばそれまでなんですが、映画なんですから、もう少し構成を考えてほしいなと思います。

そう思うと、ちゃんと映画としてのプロットを組み立てながら、最後に破壊する「DEAD OR ALIVE」は名（迷）作だなーと未だに思います。昨今の三池監督作品に飽きた人は、原点回帰を試みた本作で三池節を感じるのも一興かと思います。

次回レビュー予定は、「アデライン、100年目の恋」です。

「ドローン・オブ・ウォー」を観ました。

評価：★★☆

「ガタカ」、「TIME／タイム」などのSF映画に一定のテーマを持たせた作品作りに定評のある、アンドリュー・ニコル監督作。今回はSFではなく、アメリカ空軍の誇る無人戦闘機ドローンを遠隔操作するパイロットに焦点があたった弾の飛び交わない戦争映画になっています。1990年の湾岸戦争以降、戦争兵器というのも技術として、どんどん進化していることは周知のとおり。特に、この映画に登場するような無人機ドローンに関しては、偵察のみならず、遠隔操作で高度数千メートル上空から目標に向かってピンポイントに攻撃できる。だから、兵士は戦場に行くことなく、アメリカ空軍基地で任務をし、遠隔で数十人を攻撃した後に定時で我が家に帰る。遠隔ではあるものの、人を戦場で殺しているという事実を抱えながら、平和な生活を営むことができるのか、、というのが、本作の1つのテーマにもなっています。

ですが、本作を観る限り、主人公トミーが抱える苦しみというのは、遠く離れた戦場で（兵士であれ）人を殺しているという事実ではなく、どちらかというとエースパイロットとして戦場でしか味わえない死を間近に感じる高揚感というところでしょうか。例えば、アフガニスタン派兵に絡む多くの映画に見られるように（例えば、「ハート・ロッカー」とか）、兵士というのは生きて帰れたという喜びよりも、生きていたと感じられる戦場より、漫然とした平和な日常のほうが苦痛という形で戦場に再び戻っていく人も多いと聞きます。トミーもディスプレイに描かれる人の残像や、その描かれた人の生死というよりも、自分自身がドローンパイロットである限り、戦場にいたときに感じられる生のリアリティに欠乏しているのではないか。だからこそ、表面上は幸せそうに見えても、内側から徐々に崩壊していく様が垣間見えてくるのです。

とはいいつつも、遠く離れて戦うという事実にリアリティがなくなるのも事実。映画ではその象徴として、姿の見えないCIAからの指示に従うという形で描かれています。それはまるでゲームのように、とにかく恐れを感じたら問答無用で脅威を排除したほうが都合のいいのは当然の帰結。だからこそ、現場での判断がある最前線での戦争ではなく、現場から遠く離れた遠隔操作の戦争では、結果はどんどん悲惨な方向へと流れていく。これも血を流し、命を落としている現場の惨状を、二次元のフラットなディスプレイでしか捉えられないからこそ起こるリアリティの欠如に他なりません。昨今の安保法案絡みで、徴兵制という言葉が一時期話題になりましたが、これからの戦争というのはむしろどんどん人を排除し、機械（ロボット）同士が人の代わりにやる戦争に置き換わっていくでしょう。しかし、その結末に待っているのは、その戦争に巻き込まれた人たちの悲惨な死であることを、この映画は予見しているような気がします。

次回レビュー予定は、「極道大戦争」です。